Introducción
En el arte cibernético la esencia de la obra de arte se trasladaba a un conjunto de instrucciones: un programa de cómputo. Algunas de las fuentes más importantes de este movimiento las encontramos en el trabajo del llamado Padre de la Cibernética, Norbert Wiener, quien analizó la interacción entre los animales, el hombre y las máquinas en lo que llamó Teoría de sistemas. Según su pensamiento, para comunicarse, cada ser o entidad ha de ser considerada como un sistema que envía y recibe energía de otros sistemas (seres humanos, e incluso máquinas).
En su libro La utilización del hombre por el ser humano, Norbert Wiener, afirma "cuando yo me comunico con una persona, le envío un mensaje que ella me contesta con otro, parcialmente relacionado al mío, que contiene una cierta cantidad de información accesible únicamente para él. Ahora bien, si este mensaje es una orden y quiero que mi control sobre el cumplimiento de dicha orden sea efectivo, entonces debo saber reconocer los mensajes que, provenientes de él, me garanticen que la orden es absolutamente entendida y que será cumplida de manera adecuada. Si el otro sujeto es una máquina, esencialmente la situación no es distinta, por lo que entonces, entre más amplio sea mi conocimiento sobre la orden de salida y la señal de cumplimiento que me regresa, mayor será el control que tenga sobre una determinada acción".
Y es básicamente lo anterior la base teórica a partir de la cual comenzó el desarrollo del arte cibernético: un conjunto de órdenes que, al ser proporcionadas a una computadora, harán que realice una rutina que permita obtener un resultado esperado por el artista.
Aún cuando la primer computadora electromecánica data de la década de los cuarenta, pesaba varias toneladas, contaba con miles de relevadores y cientos de kilómetros de cable, no fue sino hasta 10 años después que comenzaron a producirse las primeras obras de arte en cuyo proceso de elaboración las computadoras jugaban un papel fundamental.
Por aquellos años, dada la complejidad de los programas de cómputo, los primeros artistas en aventurarse por los terrenos del arte cibernético, por necesidad tenían que poseer amplios conocimientos sobre programación y estar dispuestos a trabajar estrechamente con un técnico especializado durante todo el proceso de creación de la obra artística. Por lo general, las computadoras contaban con tres tipos de equipos de salida: las pantallas (monitores), el plotter de tambor (cilindro sobre el cual gira el papel en rollo, para imprimir mediante agujas entintadas) que permitía el dibujo de líneas y las impresoras de matriz de puntos.
En su libro La utilización del hombre por el ser humano, Norbert Wiener, afirma "cuando yo me comunico con una persona, le envío un mensaje que ella me contesta con otro, parcialmente relacionado al mío, que contiene una cierta cantidad de información accesible únicamente para él. Ahora bien, si este mensaje es una orden y quiero que mi control sobre el cumplimiento de dicha orden sea efectivo, entonces debo saber reconocer los mensajes que, provenientes de él, me garanticen que la orden es absolutamente entendida y que será cumplida de manera adecuada. Si el otro sujeto es una máquina, esencialmente la situación no es distinta, por lo que entonces, entre más amplio sea mi conocimiento sobre la orden de salida y la señal de cumplimiento que me regresa, mayor será el control que tenga sobre una determinada acción".
Y es básicamente lo anterior la base teórica a partir de la cual comenzó el desarrollo del arte cibernético: un conjunto de órdenes que, al ser proporcionadas a una computadora, harán que realice una rutina que permita obtener un resultado esperado por el artista.
Aún cuando la primer computadora electromecánica data de la década de los cuarenta, pesaba varias toneladas, contaba con miles de relevadores y cientos de kilómetros de cable, no fue sino hasta 10 años después que comenzaron a producirse las primeras obras de arte en cuyo proceso de elaboración las computadoras jugaban un papel fundamental.
Por aquellos años, dada la complejidad de los programas de cómputo, los primeros artistas en aventurarse por los terrenos del arte cibernético, por necesidad tenían que poseer amplios conocimientos sobre programación y estar dispuestos a trabajar estrechamente con un técnico especializado durante todo el proceso de creación de la obra artística. Por lo general, las computadoras contaban con tres tipos de equipos de salida: las pantallas (monitores), el plotter de tambor (cilindro sobre el cual gira el papel en rollo, para imprimir mediante agujas entintadas) que permitía el dibujo de líneas y las impresoras de matriz de puntos.
Entre los primeros artistas visuales que emplearon a las computadoras para la creación de sus obras se encuentra el estadounidense Ben F. Laposky. En 1952, produjo en un osciloscopio conectado a una computadora su obra Abstracciones electrónicas. El osciloscopio es un aparato que sirve para registrar ondas luminosas, de amplitud y frecuencia variables. Esta actividad de la energía era registrada por la pantalla y, posteriormente, era impresa para producir obras de arte.
En 1956, W. Franke creó de manera semejante sus osciloscopios; K. Asleben y W. Fetter lograron imprimir una de las primeras obras gráficas en computadora en 1960, y ya para 1965 toda una avalancha de artistas en diversas partes del mundo se encontraba produciendo este tipo de obra, con el afán de explorar sus posibilidades.
Si bien los resultados visuales de las obras producidas por estos artistas se encontraban, tanto en su concepción como en su temática, emparentadas con aquéllas realizadas dentro del op-art, su aportación visual fue cuestionada por la crítica, en gran parte debido a que por aquellos años, la mayoría de estos artistas, que en un principio se acercaron a las computadoras, eran estudiantes, profesores o investigadores en universidades (por ser precisamente éstas las únicas instituciones que contaban con equipos de cómputo) y no artistas ya consolidados o provistos de todo un marco teórico y conceptual en cuanto a su propio quehacer artístico.
Este primer acercamiento, además de la indudable experimentación aportada, facilitó el que poco tiempo después otros artistas tuvieran acceso a este tipo de tecnologías, creando trabajos con una mayor propuesta e interés estético, como lo fueron las obras gráficas de John Cage (Estados Unidos de América, 1912-1992), compositor y pintor estadounidense.
Cage fue uno de los primeros artistas en utilizar la computadora en la composición musical y el dibujo. Fue el introductor del concepto de música aleatoria, donde, en contraposición a todas las corrientes anteriores, produjo música en la cual no existía referencia a la naturaleza; buscó la expresión del sonido por el sonido mismo. Conjugando la música y la pintura, producía, mediante un programa especial, una serie de signos lineales (parcialmente de manera aleatoria) que entregaba a los instrumentistas de una orquesta. Con el propio Cage al mando de la ejecución musical, cada instrumentista debía imaginar el sonido de cada signo, como si fueran éstos la partitura. Los ejecutantes asignaban a cada signo la variación en el tono, tiempo, acorde, etcétera.
Estas partituras simbólicas producidas en la computadora, eran, a su vez, pinturas que posteriormente Cage imprimía y enmarcaba.
El arte cibernético
Por E. García Camarero
Podría considerarse el arte como un medio de comunicación entre personas de aquellos valores semánticos que no son fácilmente expresables en una codificación preestablecida. Podría considerarse el arte como aquel cultivo que permite una mayor porosidad entre los hombres, una mayor comprensión de los problemas de los unos por los otros, que permite una distensión de las cargas producidas por la actividad de sobrevivencia. Podría considerarse el arte como un factor de liberación y de comprensión global de los problemas sociales e históricos en los que está inmerso el hombre. Podría considerarse el arte como buceo liberador de las capas profundas del psiquismo del hombre, que permitiera romper trabas y taras personales que se mantienen en los siglos. Podría considerarse el arte como vehículo de comprensión universal, bosque, mar de encuentros, vibración del flujo humano. Podría considerarse el arte...
La técnica -materia, energía, información organizadas- expresada en ruedas y engranajes, tuberías, cables, formulas, potencia; se ha ido formando a lo largo de la historia para salvar al hombre de la bíblica maldición de "te ganaras el pan con el sudor de tu frente". La técnica permite la ubicuidad, la intemporalidad, la alta energía, la sutil delicadeza; la técnica dignifica al hombre al liberarlo de la servidumbre que significa el trabajo físico cuando está dotado para realizar tareas espirituales e intelectuales de mayor altura. La técnica permite la desaparición de la pobreza con su fabulosa capacidad de superproducción; la desaparición de las enfermedades, el alargamiento de la vida, la disposición higiénica alegre y aireada de viviendas y ciudades. La técnica permite la difusión de la cultura, y la integración en el corpus de conocimiento la participación de toda la humanidad. La técnica permite...
Pero la significación de la técnica esté siendo invertida con la cínica ambigüedad mas grande que conoce la historia. Porque la técnica ha causado tantos muertos en el presente siglo, que queda pálido el numero de vidas salvadas por procedimientos técnicos.
La técnica ha convertido la actividad productiva del hombre en mera pieza de una supermáquina, sin que ello haya redundado en una ventaja proporcional en tiempo libre o en mejoras económicas. La técnica está produciendo un desequilibrio ecológico que hace peligrar la conservación de especies enteras, que puede ser desastroso para la producción de alimentos, que puede acarrear plagas y epidemias. La técnica esta produciendo unas viviendas insalubres en unas ciudades llenas de polución, superpobladas, congestionadas, en las que la vida esta llegando a niveles mínimos de calidad. Es lógico que mucha gente desconfíe y hasta odie el desarrollo tecnológico.
La realización actual del arte es meramente un arte de grupo, de elite, de clase. Es un instrumento mas del dominio de una clase sobre otra. El arte esta facilitando la enajenación, el autismo, la atomización y desconexión de los problemas. El arte con su falsa sublimidad distrae y tranquiliza de los problemas reales que padece la humanidad. El arte en el mejor de tos casos es simplemente, el decorador de la burguesía o el apaciguador de su conciencia intranquila.
Por eso, en el formalismo-informalismo del actual arte predomina la fría sintaxis respecto a la cálida semántica que puede significar compromiso. Por eso, la sustitución del arte popular por un arte de masas en el que se reemplaza la expresión libre de los hombres por la aceptación de modas impuestas.
Ante la tensión que plantea la contradicción arte-antiarte, técnica-antitécnica; se nos presenta la duda de cual puede ser el resultado de la conjunción arte-técnica; porque dependerá si es la conjunción del arte con la técnica o del antiarte con la antitécnica, para que los resultados sean diametralmente opuestos. En los ultimas años se ha venido en llamar arte cibernético al mayor intento de conjunción del arte con la técnica. La algoritmización de la creatividad como planteo de un inalcanzable. Pero ante la escasez de resultados de cierta envergadura, como ha podido comprobarse en las diferentes exposiciones realizadas en el ultimo decenio, no podemos menos que considerar que el problema no ha sido abordado en sus justos términos y que ha sido deformado por los malos hábitos de un arte muerto de museo y galería, en donde el artista mas se mueve por asignarse la “magia” de la computadora y para promover su nombre en la bolsa del arte, que en la busqueda de formas artísticas para el nuevo canal de intercomunicación que representa la computadora,
¿Hará falta mucho tiempo para que el arte cibernético deje de ser ese juego frívolo, ultraformalista que estamos contemplando en la actualidad? No se si mucho tiempo, pero si han da realizarse muchos cambios estructurales para que el arte cibernético sea el vehículo en el que se alojen los elementos de creatividad e iniciativa de todos los hombres de la Humanidad.
En 1956, W. Franke creó de manera semejante sus osciloscopios; K. Asleben y W. Fetter lograron imprimir una de las primeras obras gráficas en computadora en 1960, y ya para 1965 toda una avalancha de artistas en diversas partes del mundo se encontraba produciendo este tipo de obra, con el afán de explorar sus posibilidades.
Si bien los resultados visuales de las obras producidas por estos artistas se encontraban, tanto en su concepción como en su temática, emparentadas con aquéllas realizadas dentro del op-art, su aportación visual fue cuestionada por la crítica, en gran parte debido a que por aquellos años, la mayoría de estos artistas, que en un principio se acercaron a las computadoras, eran estudiantes, profesores o investigadores en universidades (por ser precisamente éstas las únicas instituciones que contaban con equipos de cómputo) y no artistas ya consolidados o provistos de todo un marco teórico y conceptual en cuanto a su propio quehacer artístico.
Este primer acercamiento, además de la indudable experimentación aportada, facilitó el que poco tiempo después otros artistas tuvieran acceso a este tipo de tecnologías, creando trabajos con una mayor propuesta e interés estético, como lo fueron las obras gráficas de John Cage (Estados Unidos de América, 1912-1992), compositor y pintor estadounidense.
Cage fue uno de los primeros artistas en utilizar la computadora en la composición musical y el dibujo. Fue el introductor del concepto de música aleatoria, donde, en contraposición a todas las corrientes anteriores, produjo música en la cual no existía referencia a la naturaleza; buscó la expresión del sonido por el sonido mismo. Conjugando la música y la pintura, producía, mediante un programa especial, una serie de signos lineales (parcialmente de manera aleatoria) que entregaba a los instrumentistas de una orquesta. Con el propio Cage al mando de la ejecución musical, cada instrumentista debía imaginar el sonido de cada signo, como si fueran éstos la partitura. Los ejecutantes asignaban a cada signo la variación en el tono, tiempo, acorde, etcétera.
Estas partituras simbólicas producidas en la computadora, eran, a su vez, pinturas que posteriormente Cage imprimía y enmarcaba.
El arte cibernético
Por E. García Camarero
Podría considerarse el arte como un medio de comunicación entre personas de aquellos valores semánticos que no son fácilmente expresables en una codificación preestablecida. Podría considerarse el arte como aquel cultivo que permite una mayor porosidad entre los hombres, una mayor comprensión de los problemas de los unos por los otros, que permite una distensión de las cargas producidas por la actividad de sobrevivencia. Podría considerarse el arte como un factor de liberación y de comprensión global de los problemas sociales e históricos en los que está inmerso el hombre. Podría considerarse el arte como buceo liberador de las capas profundas del psiquismo del hombre, que permitiera romper trabas y taras personales que se mantienen en los siglos. Podría considerarse el arte como vehículo de comprensión universal, bosque, mar de encuentros, vibración del flujo humano. Podría considerarse el arte...
La técnica -materia, energía, información organizadas- expresada en ruedas y engranajes, tuberías, cables, formulas, potencia; se ha ido formando a lo largo de la historia para salvar al hombre de la bíblica maldición de "te ganaras el pan con el sudor de tu frente". La técnica permite la ubicuidad, la intemporalidad, la alta energía, la sutil delicadeza; la técnica dignifica al hombre al liberarlo de la servidumbre que significa el trabajo físico cuando está dotado para realizar tareas espirituales e intelectuales de mayor altura. La técnica permite la desaparición de la pobreza con su fabulosa capacidad de superproducción; la desaparición de las enfermedades, el alargamiento de la vida, la disposición higiénica alegre y aireada de viviendas y ciudades. La técnica permite la difusión de la cultura, y la integración en el corpus de conocimiento la participación de toda la humanidad. La técnica permite...
Pero la significación de la técnica esté siendo invertida con la cínica ambigüedad mas grande que conoce la historia. Porque la técnica ha causado tantos muertos en el presente siglo, que queda pálido el numero de vidas salvadas por procedimientos técnicos.
La técnica ha convertido la actividad productiva del hombre en mera pieza de una supermáquina, sin que ello haya redundado en una ventaja proporcional en tiempo libre o en mejoras económicas. La técnica está produciendo un desequilibrio ecológico que hace peligrar la conservación de especies enteras, que puede ser desastroso para la producción de alimentos, que puede acarrear plagas y epidemias. La técnica esta produciendo unas viviendas insalubres en unas ciudades llenas de polución, superpobladas, congestionadas, en las que la vida esta llegando a niveles mínimos de calidad. Es lógico que mucha gente desconfíe y hasta odie el desarrollo tecnológico.
La realización actual del arte es meramente un arte de grupo, de elite, de clase. Es un instrumento mas del dominio de una clase sobre otra. El arte esta facilitando la enajenación, el autismo, la atomización y desconexión de los problemas. El arte con su falsa sublimidad distrae y tranquiliza de los problemas reales que padece la humanidad. El arte en el mejor de tos casos es simplemente, el decorador de la burguesía o el apaciguador de su conciencia intranquila.
Por eso, en el formalismo-informalismo del actual arte predomina la fría sintaxis respecto a la cálida semántica que puede significar compromiso. Por eso, la sustitución del arte popular por un arte de masas en el que se reemplaza la expresión libre de los hombres por la aceptación de modas impuestas.
Ante la tensión que plantea la contradicción arte-antiarte, técnica-antitécnica; se nos presenta la duda de cual puede ser el resultado de la conjunción arte-técnica; porque dependerá si es la conjunción del arte con la técnica o del antiarte con la antitécnica, para que los resultados sean diametralmente opuestos. En los ultimas años se ha venido en llamar arte cibernético al mayor intento de conjunción del arte con la técnica. La algoritmización de la creatividad como planteo de un inalcanzable. Pero ante la escasez de resultados de cierta envergadura, como ha podido comprobarse en las diferentes exposiciones realizadas en el ultimo decenio, no podemos menos que considerar que el problema no ha sido abordado en sus justos términos y que ha sido deformado por los malos hábitos de un arte muerto de museo y galería, en donde el artista mas se mueve por asignarse la “magia” de la computadora y para promover su nombre en la bolsa del arte, que en la busqueda de formas artísticas para el nuevo canal de intercomunicación que representa la computadora,
¿Hará falta mucho tiempo para que el arte cibernético deje de ser ese juego frívolo, ultraformalista que estamos contemplando en la actualidad? No se si mucho tiempo, pero si han da realizarse muchos cambios estructurales para que el arte cibernético sea el vehículo en el que se alojen los elementos de creatividad e iniciativa de todos los hombres de la Humanidad.
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